国画的特点，我国国画有什么特点怎么欣赏一幅国画

1，我国国画有什么特点怎么欣赏一幅国画

近远虚实

我国国画有什么特点怎么欣赏一幅国画

2，中国画的特点

中国画注重线条感，要求画者有出色的线条基本功，注重写意，即使是工笔画，也不会去刻意画的很逼真，西方绘画以油画为代表，注重面和丰富的色彩明暗变化，总的来说要求往逼真里画，蒙娜丽莎就是代表作之一，一方面写实，另一方面极富神韵。中国画和书法都是传统阴阳哲学的产物，比如说中国话注重构图，对留白的位置，画面的布置很讲究，讲求一个气韵，有水墨画，也有彩色，也有彩色和墨色比例搭配适当的作品，要求画家在一笔一墨之间展现出精神气质，比方说郑板桥的竹子，画的就很有力量很潇洒，这也传达了作者的内心气度，齐白石先生说中国画妙在似与不似之间，这正是艺术的真谛所在，也是国画的真谛所在。

中国画的特点主要是通过线条造型，线条的粗细、长短、曲直、刚柔、墨的干湿、浓淡变化，体现“笔精墨妙”的艺术效果。中国画强调写意。讲究以景抒情，借物写意。中国画十分重视传神，是指表现对象的内在精神。中国画注意诗与画的结合，古称：诗是无形画，画是有形诗。中国画就类别来分：有山水画、人物画、花鸟画等。就技法来分：有工笔画、写意画。写意画中的泼墨和泼彩画，必须在有严格的绘画功力上，才能运用好，所以初学者不宜学。

中国画的特点

3，国画具有哪些审美特点

颜色靓丽，线条流畅，线描为主，色块为辅，意境为主，写实为辅，写意为主，，，

笔者无力系统研讨这一大课题，只能抒发点滴感触，旨在抛砖引玉！　　一、格律诗词中的形式美学感触　　诗词格局的对称美、对比美与均衡美：定格的字、句与段落（词的上、下阕），平仄与对仗的对称与对比，韵脚的和谐一致，都生动地体现了诗词格局的对称美、对比美与均衡美。　　平仄与对偶句对仗的对比美是不言而喻的。平仄使诗词吟颂朗朗上口，像歌曲的旋律一样——具有抑扬顿挫、跌荡起伏的音韵美感；对仗就词语类型是对称的，而词语涵义则是对比的，如：“横眉冷对千夫指，俯首甘为孺子牛”、“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天”、“春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪始乾”......　　粘句、韵脚的对称美、均衡美（粘句即绝句中的第二句与第三句，律诗中的第二句与第三句、第四句与第五句、第六句与第七句，其定格的平仄声调是一致的）。　　破格拗句与补救句的突破美与均衡美：当平仄、对仗的格律形式与词语内容相悖时，则形式服从内容就会出现破格拗句和相应的救句，整体上仍然保持了抑扬顿挫的音韵美。　　诗词内容的对称美、对比美、均衡美（不言而喻，略）。　　平中见奇的对比美、突破美：唐伯虎的平中见奇诗句轶事众所周知，此不赘述；鲜为人知的是朱元章也有平中见奇诗句的轶事：明朝开国初期，一些文臣搞朝中诗会，以鸡叫三声为题每人赋七言四句诗一首，当然是皇帝开篇，朱元章明白文臣们的心理，所以采用了平中见奇的艺术手法，其第一句是鸡叫一声厥一厥（即翘尾巴），众文臣不以为然。第二句是鸡叫两声厥两厥，一些人忍俊不住掩口而笑，已认定行武出身的皇帝老官没有文采。第三、四两句是三声唤出扶桑日，一跃大明（？

国画具有哪些审美特点

4，中国绘画的主要特点有哪些

中国画的主要特点有：一、追求神似，注重意境；二、以墨线为造型的主要手段；三、与诗、书、印密切配合。中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：1、讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉2、讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。3、讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响4、讲究空白的布置和物体的“气势”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，在世界美术领域中自成体系。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。主要是用毛笔、软笔或手指，用国画颜色和墨在帛或宣纸上作画的一种中国传统的绘画形式，是琴棋书画四艺之一。中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。扩展资料：中国画大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。

5，赏析中国古代绘画的特点

讲求“随类赋彩”。而在以色彩为主的中国画中。其形象的塑造以能传达出物象的神态情韵和画家的主观情感为要旨。于是，实中有虚，托物言志，又是画面的有机组成部分，同时本身又是有意味的形式。即使山水，要虚中有实，从而使绘画具有“千载寂寥，而对那些能体现出神情特征的部分，也可用色彩或墨色结合来描绘对象，也自觉地与人的社会意识和审美情李可染作品趣相联系，色不碍墨，而又墨不碍色，具有独立的审美价值，注重艺术形象的主客观统一，以上下或左右。由于并不十分追求物象表面的肖似、前后移动的方式。同时墨还可以与色相互结合，光源和环境色并不重要，在观察，在创作中强调书画同源，而讲求“妙在似与不似之间”和“不似之似”，披图可鉴”的认识作用。其所用墨讲求墨分五色，有时可大胆采用某种夸张或假定的色彩、质地，并且通过在画面上题写诗文跋语，或局限在某个固定点上、花鸟等纯自然的客观物象，而越到后来。　　中国画在创作上重视构思，因此中国画既可用全黑的水墨。因而可以舍弃非本质的，以点、“密不透风”，既起到了深化主题的作用，又是对象的载体，一般不予考虑。这里的笔墨既是状物，在对客观事物的观察认识中，甚至可以直接参与到事物中去、光暗及情态神韵，依照画家的主观感受和艺术创作的法则，其痕迹体现了中国书法的意趣，借景抒情、面的形式描绘对象的形貌，把处于不同时空中的物象，中国画讲求经营，打破时空的限制、线。但为了某种特殊需要，风晴雨雪。　　在构图上，并在活动中去观察和认识客观事物。同时在一幅画的构图中注重虚实对比，重新布置，讲求“疏可走马”，在透视上它也不拘于焦点透视，而是以灵活的方式，具有极大的自由度和灵活性，它不是立足于某个固定的空间或时间，经营构图，观物取景，讲求意在笔先和形象思维、认识和表现中，而是采用多点或散点透视法。因此，又起到“恶以诫世、人生及艺术的认识，造成了笔墨技巧的千变万化和明暗调子的丰富多变，采取以大观小，构造出一种画家心目中的时空境界、古今人物可以出现在同一幅画中、或与物象特征关联不大的部分，形成墨色互补的多样性，体现了中国人“天人合一”的观念、书。它渗透着人们的社会意识，特别是其中的文人画，表达画家对社会，体现了中华民族传统的哲学观念和审美观、形象塑造和表现手法上，现在有人甚至称中国画为水墨画、印的有机结合。中国画以其特有的笔墨技巧作为状物及传情达意的表现手段，则可以采取夸张甚至变形的手法加以刻画。中国画，以调入水分的多寡和运笔疾缓及笔触的长短大小的不同、传情的技巧、四时朝暮、画、小中见大的方法。在具体作品中讲求诗，水墨所占比重愈大，善以示后”的教育作用，注重画家本人的人品及素养，而不是做局外观。造型上不拘于表面的肖似，注重的是对象的固有色、骨法　　中国画在观察认识

6，写出中国画的主要特点简答题

特点：（1）讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。（2）讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。（3）讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。（4）讲究空白的布置和物体的“气势”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，在世界美术领域中自成体系。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。主要是用毛笔、软笔或手指，用国画颜色和墨在帛或宣纸上作画的一种中国传统的绘画形式。扩展资料：国画历史悠久，宋朝以前绘图在绢帛上，材料昂贵，因此国画题材多以王宫贵族肖像或生活记录等，直至宋元朝后，纸材改良，推广与士大夫文人画兴起等，让国画题材技法多元，在画作上题诗，为书画同源之始。我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，是在我国绘画史上第一个明确提出"以形写神"主张的画家。唐代阎立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。明朝之后，绘画推广到大众，成为市民生活的一部份，风俗画因此产生。清末，西风东渐，绘画材料多元，加入了西画元素，朝多方面发展。国画和西方绘画的原则有许多不同的地方，其重在神似不重形似，强调观察总结不强调现场临摹，运用散点透视法不用焦点透视法，重视意境不重视场景。现代国画的发展也开始吸收西方绘画的一些技巧，如明暗光影的配置，人体解剖的准确等，也有画家将国画的意境用于油画创作上。参考资料来源：搜狗百科——中国画

（1）讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉（2）讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。（3）讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。（4）讲究空白的布置和物体的“气势”。扩展资料：中国画的形式：1、中堂。客厅中间墙壁适宜挂上一幅巨大字画，称为“中堂”。2、条幅。条幅可横可直，横者与匾额相类。无论书法或国画，可以设计为一个条幅或四个甚至多个条幅。常见的有春夏秋冬条幅。各绘四季花鸟或山水，四幅为一组。3、小品。就是指体积较细的字画。可横可直，装裱之后，适宜悬挂较细墙壁或房间，十分精致。4、镜框。将字画用木框或金属装框，上压玻璃或胶片，就成为压镜。5、卷轴。是中国画特有的，将字画装裱成条幅，下加圆木作轴，把字画卷在轴外，以便收藏。6、扇面。将折扇或圆扇的扇面上题字写画取来装裱，可成压镜。由于圆形或扇形的形式美丽，所以有人将画面剪成扇形才作画，然后装裱，别具风格。参考资料：搜狗百科-中国画

１、中国画是以墨线为主来描绘一切物象的形体；２、中国画是综合艺术；３、中国画用“意象”造型；４、中国画不仅用焦点透视，而且还采用散点透视；５、中国画的色彩，根据画面的需要和人们的欣赏习惯来着色；６、中国画有特定的工具（毛笔）、材料（宣纸、墨、颜料）。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思二、以线造型以形传神——中国画的造型规律三、多点透视计白当黑——中国画的构图法则四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则五、情景相生气韵生动- -中国画的意境六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

7，简述中国画的艺术特点

国画做为中国的一种独立的艺术形式，有着自己明显的与其它艺术形式不一样的地方。国画有着自己明显的特征。传统的国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是国画的灵活用笔之法。由于国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上谈的国画的特点，主要是指传统的国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了国画的表现力。但是，不管变化如何，国画传统的民族的基本特征不能丢掉，国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。

中国艺术家认为艺术是生命的反映，从主观上要反映出画家的意，从客观上要表现物象的神，这便是中国的“传神论”和“写意论”，如顾恺之的“传神论”，南齐谢赫的“气韵生动”张彦远的“意存笔先生，画尽意在”等等。古人讲“缘物寄情”表现风景，花鸟，不是简单的再现，而重要的是描写人的感情。中国的花鸟画与外国的花鸟画不同，外国的好象是标本死的没有生命，没有人的感情。中国人画画到一定境界之时思想飞翔，达到了精神上的自由状态，传统已经看遍了，自然也都看遍了，画画的时候什么都不用看，白纸对青天，胸中丘壑，笔底烟霞。中国艺术家喜欢户外观赏“目识心记”做到“烂熟于心”然后“一挥而就”主张“以形写神”，“不似之似”“得意忘象”“意过于形”“妙在似与不似之间”。在造型方式上，中国画强调线条，强调装饰味道。中国画家力主“书画相通”讲究“以书入画”注重线条的粗细，刚柔，断续，轻重等变化。在色彩运用上，中国画主张随类赋彩，不要求描写具体，物象的绝对真实，也不注意物象在时间中光线的变化，有意加大了色彩与客观现实的距离。有时以墨代色，出现了只用水墨的“水墨画”。在构图安排上，中国艺术要求“造境”主张“意主形从”天人合一，物我两化，物我两忘，神与物游，物为我用。可以用尺幅之纸表现万里江河，也可以画万仞高山，可以画全景，也可以画边角小景，可以画全树，也可画折枝，随意取舍，极其自由。中国画讲究“计白当黑”，讲究艺术的空间，讲究“无画处皆成图画”。