水墨画的特点，中国传统水墨动画的特征

本文目录一览

1，中国传统水墨动画的特征
2，中国水墨画的特点是什么
3，中国绘画的主要特点有哪些
4，中国水墨动画的艺术特点是什么
5，水墨画的特点
6，简述水墨画的历史风格特点
7，水墨画究竟怎么欣赏

1，中国传统水墨动画的特征

浓淡相宜，用笔有神，收放自如。

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中国传统水墨动画的特征

2，中国水墨画的特点是什么

中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。用中国特制的烟墨构成的“水墨画”成为中国画特有的一个画种。墨可分作墨、淡墨、浓墨、极淡墨和焦墨五墨，即焦墨（原墨）一浓墨一重墨一淡墨一清墨五层次。墨是寒色，由五墨构成的画应该有寒感，它的调子应该是灰暗的。但又为何好的“水墨画”会使人有温感而不感觉它的调子灰暗呢？这是因为好画善于利用白地（空白）来与黑的寒色相对比、相调和，因而使人有介于寒热之间的温感。而且，好的烟墨并不是暗墨。凡光滑受光而反射强者都叫做明物，好墨的黑光泽如漆，故可叫做明黑，因而是不会让人有灰暗感的。水墨画：在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。

中国水墨画的特点是什么

3，中国绘画的主要特点有哪些

中国画的主要特点有：一、追求神似，注重意境；二、以墨线为造型的主要手段；三、与诗、书、印密切配合。中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：1、讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉2、讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。3、讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响4、讲究空白的布置和物体的“气势”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，在世界美术领域中自成体系。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。主要是用毛笔、软笔或手指，用国画颜色和墨在帛或宣纸上作画的一种中国传统的绘画形式，是琴棋书画四艺之一。中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。扩展资料：中国画大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。

中国绘画的主要特点有哪些

4，中国水墨动画的艺术特点是什么

1960年中国诞生了两种新的美术片形式：折纸片和水墨动画片。水墨动画片可以称得上是中国动画的一大创举。它将传统的中国水墨画引入到动画制作中，那种虚虚实实的意境和轻灵优雅的画面使动画片的艺术格调有了重大的突破。水墨动画片是中国艺术家创造的动画艺术新品种。它以中国水墨画技法作为人物造型和环境空间造型的表现手段，运用动画拍摄的特殊处理技术把水墨画形象和构图逐一拍摄下来，通过连续放映形成浓淡虚实活动的水墨画影象的动画片。水墨动画片是上海美术电影制片厂于60年代初试制成功的片种。一般动画人物的造型，都是采用“单线平涂”，而水墨动画片却具有中国民族绘画的优良传统即水墨画的特点。人物造型既没有边缘线，又不是平涂，而能从影片上表现出毛笔画在宣纸上的效果。水墨动画片为中国电影艺术实现民族化、群众化，开辟了一条新道路。 1960年1月31日，陈毅副总理参观上海美术电影制片厂在北京举行的“中国美术电影展览会”时，对美术电影工作人员说：“你们能把齐白石的画动起来就更好了。”同年2月，上海美影厂成立了由阿达负责人物和背景设计、吕晋负责绘制动画、段孝萱负责拍摄和洗印技术的试验小组，经近三个月的时间，使《水墨动画片断》试验获得成功。1961年7月，美影摄制成功了中国第一部水墨动画片《水蝌蚪找妈妈》，宣告了中国水墨动画片首创成功，该制作技术获得了文化部科技成果一等奖，中中国家科技发明二等奖。从1961年到1995年，上海美影厂共摄制水墨动画片4部。每一部都有其特色，都有创新，都有所前进。第一部水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》,其中的小动物造型取自齐白石笔下。与一般的动画片不同，水墨动画没有轮廓线，水墨在宣纸上自然渲染，浑然天成，一个个场景就是一幅幅出色的水墨画。角色的动作和表情优美灵动，泼墨山水的背景豪放壮丽，柔和的笔调充满诗意。它体现了中国画“似与不似之间”的美学，意境深远。由于要分层渲染着色，制作工艺非常复杂，一部短片所耗费大量时间和人力是惊人的。美影厂对水墨片投入巨大，制作班底也是异常雄厚，除了特伟、钱家骏这样的老一辈动画大师，就连国画名家李可染、程十发也曾参与艺术指导。正是因为这样不惜工本的艺术追求，中国水墨动画在国际上博得了交口称赞，没有任何一个国家敢于同中国人的耐心竞争，日本动画界甚至称之为“奇迹”。可是也正因为艺术价值同商业价值的脱离，也使得水墨动画面临着无以为继的尴尬。

5，水墨画的特点

从艺术的分科来看，国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是国画的灵活用笔之法。由于国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 8个字：水墨画浓淡浑浊，色彩厚重。希望采纳！

水墨画浓淡浑浊，色彩厚重几笔就能勾勒出一种奇妙的感觉

6，简述水墨画的历史风格特点

水墨画简介　　中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。　　用中国特制的烟墨构成的“水墨画”成为中国画特有的一个画种。墨可分作墨、淡墨、浓墨、极淡墨和焦墨五墨，即焦墨（原墨）一浓墨一重墨一淡墨一清墨五层次。　　墨是寒色，由五墨构成的画应该有寒感，它的调子应该是灰暗的。但又为何好的“水墨画”会使人有温感而不感觉它的调子灰暗呢？这是因为好画善于利用白地（空白）来与黑的寒色相对比、相调和，因而使人有介于寒热之间的温感。而且，好的烟墨并不是暗墨。　　凡光滑受光而反射强者都叫做明物，好墨的黑光泽如漆，故可叫做明黑，因而是不会让人有灰暗感的　　（一）皴法。在山水画史上，凡有巨变，多由皴法所致。皴法是一种用笔墨的方法，专用于描绘山、石的脉络和质感，也以此表现近树主干的皮纹和质地。盛唐王维“始用渲淡，一变构斫之法”。唐代山水自此开始，出现皴法。这些山水画家主要集中在关陕一带，他们的山石线条以方硬工稳为主，完全取决于对当地地貌的感受。这在传为唐代的山水卷轴画和墓室壁画中的配景可略见一斑。北方的山水画风一直吹拂到五代南唐，因此，南唐翰林图画院的山水画风与北方没有大大的差异。董源由于掌理皇家林苑，对江南的土质丘陵有着切身的审32313133353236313431303231363533e59b9ee7ad9431333332633630美感受。他用松散舒展的线条铺展了江南丘陵绵延不断的起伏之态，反映了土质山疏松平缓的地貌特征，意向平和沉静。因这种线条随意性极强，长短参差不齐，轻松自然，犹如披麻（散开的植物麻），故以此名。披麻皴长短参差不齐，长者即长披麻，短者为短披麻。董源在皴法上的创新不知启迪了后世多少江南的山水画家。　　（二）造型。董源的山石造型不作峭拔险峰，多作平峦缓坡。坡上高木成林，坡下溪流成河，渔者、渡客等星星点点，饶有生机。远景的山峦顶上聚集着成片的矾头，即垒叠的巨石，形同矾石的结晶体，一簇簇的苦点区分出各个矾头的外形，平列展开于画面上。　　（三）构图。以平视为主，略带俯视，景深较大，多取横向的全景式布局。现存与董源画风相关的古画多属长卷。　　（四）植被。董源笔下的植被是构成其密体山水的基本要素，得自江南实地实景。北方由于气候干燥和山脉多石，浮土上的林木与裸露的岩石形成鲜明的对比，而江南空气湿润、雨量充沛，草木极易覆盖在以土质为主的群山之表。　　（五）意境。董源的山水画意境注重乡野间的生活气息，饶有情趣，与李思训讲求展示道家仙境的山水画迥然不同。

水墨画是绘画的一种，更多时候被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。基本的水墨画，仅有水与墨、黑与白。但是进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一——墨，为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次，其别有一番韵味称为“墨韵”，而形成水墨为主的一种绘画形式。水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。水墨画可谓是中国独具特色的传统绘画之一，是用中国独有的毛笔，以水调墨、调色，画在具有渗化性能的生宣纸及其它吸水性较强的纸上的一种绘画，是在笔、墨、水综合运用下进行意象造型的画种，画面形象不拘泥于自然，讲究直抒胸怀。水墨画所能表达的情境十分广阔，因此清代大画家石涛说：“黑墨团里天地宽。” 相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。水墨画有着自己明显的特征。传统的水墨画，依南朝谢赫的《古画品录》评论： 1.讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉 2.讲究“笔墨神韵”，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，浓、淡、破、泼、渍、焦、宿。 3.讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响 4.讲究空白的布置和物体的“气势”。水墨画 - 墨的种类墨可分作墨、淡墨、浓墨、极淡墨和焦墨五墨，即焦墨（原墨）一浓墨一重墨一淡墨一清墨五层次。墨是寒色，由五墨构成的画应该有寒感，它的调子应该是灰暗的。但又为何好的“水墨画”会使人有温感而不感觉它的调子灰暗呢？这是因为好画善于利用白地（空白）来与黑的寒色相对比、相调和，因而使人有介于寒热之间的温感。而且，好的烟墨并不是暗墨。凡光滑受光而反射强者都叫做明物，好墨的黑光泽如漆，故可叫做明黑，因而是不会让人有灰暗感的。

7，水墨画究竟怎么欣赏

对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。

其实水墨画本身就有几个很典型的特点，也即是本身就具有某些现代表现手法的特征：单纯性、象征性、自然性。三者中，单纯性可以发挥到当代的“极限主义”，象征性可以转向“概念艺术” 、“抽象表现”和象征主义。因此，传统套路中早早就孕育了现代艺术才达到的一些方式和手法，要转变它的整个方向，恐怕相当困难。这也就是为什么理论界喋喋不休的争了几十年，到现在也没有看见多少成功的突破流派。漫说流派，就是具有强烈个人风格走向的画家也是凤毛麟角。而社会、大众、艺术界对这些变革之后的作品的承认、接受又非常有限。 1400多年水墨的发展，的确有不同时期的差异，现存的唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效。元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。中国人喜欢以奇数说事，因此把墨可分作墨、淡墨、浓墨、极淡墨和焦墨五墨，也就是焦墨一浓墨一重墨一淡墨一清墨五层次。其实，墨因水分稀释而千变万化，又何止五色呢？浓淡配合，干湿配合。“浓破淡”的方式，画面感较为融合。而“淡破浓”的方式，由于生宣纸有先入为主的特性，尤其是浓墨八成干时再用淡墨或清水去破，这样，先画的部分就较为清晰。墨厚了，就叫做“积墨”，是为了使画面厚重。一次用墨不够分量，可反复加强。积墨积在什么地方好呢？如果墨色非常淡薄，叫做“淡墨”，用墨的时候追求透明、纯净。笔与笔之间形成的水印。淡墨与浓墨呼应、对比、相互依托，才有浓、淡之感。 20世纪初期，已经有一批画家提出吸收西画的技法和概念，才能促进水墨画的现代化。当时的探索大致分为两类：一类是在继承传统绘画的基础上，吸收外来艺术，走一条融合中西的创作道路。另一类是从内到外完全摆脱传统绘画的影响，走一条用西方现代艺术的观念来进行创作的道路，但是并不放弃使用传统水墨画的笔、墨、纸等媒材。走了一百多年，特别是从1978年改革开放以来，更是风起云涌。但是到今天看看，没有什么人能走出来一条康庄大道来。画界、评论界的争论我看倒无所谓，有所谓的是绘画需面对的收藏家和观众，他们对这些探索态度冷淡，大部分甚至有点无动于衷，哪能够说成就呢？博物馆不收藏，收藏家不收藏，观众不看，刊物介绍也少，评论家各自说自己的看法，永无定论，怎么推进呢？当代的水墨有一种民族艺术的标记，虽然日本、韩国也有人画水墨，但是真正能带给世人感受的水墨，还是跟中国形象密切相连的。你非说是西方当代艺术形式，不过用了水墨表现，西方评论界多半不吃这一套，就说你是中国的传统手法。几个一直在外国做水墨创作的艺术家，比如杨佴一直在日本，他的作品明显受法国印象主义以后的画家影响，画的还是水墨画。我到日本和多摩美术大学的几个教授谈水墨问题的时候提到他的作品，他们轻描淡写地说他是中国水墨画家，没有一个人认为他是后印象派的；台湾的袁金塔、刘国松、香港的王无邪，因为他们作品的媒材主要还是宣纸和水墨，虽然他们的作品与传统水墨画已有了明显的距离，但我在美国看他们的展览时，注意到旁边的美国人都这样评说“中国画能够这样画真有趣”，却并没有听过一个人说这是当代西方艺术的发展。是不是有点“媒体决定论”的问题呢？我不知道。但是这种特定的媒体，特别是笔墨宣纸的框框，基本给这类画打上了一个民族标记。几类当代水墨画家中，有把传统水墨的本末里外全抛弃，用水墨画当代试验画的一批人。最近这些年，我看见在大陆冒出好多水墨画家群体，有传统水墨画、实验水墨画、表现性水墨画和新文人画等群体。这批画家都比较年轻，从他们的创作来看，起码有一点我看是共同的，就是他们所受的美术教育都是西式体系的，他们的艺术概念是西方的绘画艺术观念和形式因素，水墨仅仅是用来创作的工具而已。比如我看见的张羽、刘子健、阎秉会、魏青吉、方土等人，他们的作品是试验性水墨的经典。而就我看，则是西方的技法背景、艺术思想水墨化的结果。我自然不反对这种探索，但是如果从水墨来说，把技法、表现的概念都换了西方的，那么剩下来的除了宣纸、水墨之外，还有什么呢？问题是这类型的试验水墨在西方艺术界也未必得到肯定和接纳，这样就形成了一个不上不下的状态。另外一批人，则去本留末，去里留外，延续传统水墨的路走，添加进去一些西画的元素。赵绪成、董小明、孙海清、钟儒乾等人的这些作品明显地让人感到是受现代艺术形式的影响，所表现的对象却是中国的。这样是用中国的皮来弘扬西方的神，如赵绪成将抽象表现主义的形式和石窟艺术的历史感结合起来，董小明将熟悉的水墨形式与抽象主义的节奏感结合起来。他们的创作乍一看是中国题材的，再细细看看下去却感受到了北欧冷漠的隔世感，是德国的表现主义艺术。表现意识是中国写意传统，是用水墨表达现代主义。在众多的试验性水墨艺术家中，台湾的刘国松凭借其画作宇宙风景是最早取得成功的一位。张羽、王无邪画显微世界；黄一瀚画虚拟世界；还有我看到张正民的《时尚制造》，高鹏的《金陵不夜城》，薛亮的《都市墨意之一》，谢海的《科隆景象》，韩书力的《乐生图》，杨怀武的《四条屏》，冯劲松的《荷塘印象》，王法的《城市建筑》，王剑阁的《崛起》，陈辉的《皖南印象之一》，黄孝逵的《清水居鸟生四图》……，真是五花八门，琳琅满目。当代水墨画突破了传统符号象征体系，也突破了上世纪50年代以来形成的“新传统”的范围，越来越趋向一种多样化、个人化的世界。当代水墨画反映了我们生存环境中不断变化的个人态度。这些作品，我在好多水墨大展中看过，数量庞大、尺寸庞大，也的确有些想法。在我来说，第一，因为对西方的当代艺术了如指掌，对于那些作品中的西方当代元素，我可以说是熟视无睹。如果这个核心打动不了我，那么我认为余下的水墨也只是是很表层的，既缺乏传统笔墨的根基，又还没有形成当代艺术技法的体系，所以怎么看都是空空荡荡。去年在广州美术学院的新展览馆中看了一个大型的水墨展，在广东美术馆看了三年展，其中的水墨作品，思想和形式内容双空的实在多。艺术家中好多除了要做到耸人听闻之外，好像没有什么想说的，没有什么潜台词，也没有什么技法来承载他们的概念，展厅中看的人都很沉闷，我估计是谁也没有看懂。说危机，我看这种不旧不新、不中不西的心理状态才是最大的危机。看完这类当代水墨画展，我走出门来心里经常是闷闷的，往往也没有什么评论可说。我在美国的当代艺术馆出来却不是这样的，经常会有感而发。也可以看到有好多评论家都滔滔不尽地进行评说，评论的文章也言之有物。是不是当我们走西方风格的时候不求甚解，而对于传统又嗤之以鼻造成这样的尴尬呢？